"Orlando"… Une version novatrice, pleine d'audace et de modernité, mais manquant de clarté

Lumières dans une salle de musée avec des enfants et leur professeur devant quelques tableaux. Certains les regardent avec attention, puis cela se chamaille et court un peu à droite et à gauche. Bref, l'enfance avec ses petits plaisirs et turbulences !

"Orlando" (1733), opéra en trois actes de Georg Friedrich Haendel (1865-1759) où se mêle magie, enchantement, passion et vengeance, débute sur scène dans un cadre original et à rebours de la dramaturgie.

Il y a un tableau qui représente Orlando et qui s'ouvre ensuite pour laisser la place au personnage réel. Joué par la mezzo-soprano Katarina Bradić, elle alterne différents états psychiques sur lesquels, la fougue respire de façon continue entre la passion et la colère vengeresse, avec une pensée amoureuse entière pour Angelica (Siobahn Stagg). Ses déplacements sont amples, alliés à une réelle présence physique, avec une esthétique presque androgyne par ses cheveux longs, son corps à la fois fort et gracieux et sa démarche souple et ferme.

La scénographie de Cécile Trémolière marie intérieur et extérieur et bascule sur différents espaces-lieux autour, entre autres, du musée et d'une plaine très verdoyante dans laquelle trois grands arbres, considérés étrangement comme des bosquets, s'élèvent du sol pour y redescendre. Les couleurs sont vives et claires pour l'extérieur, quand elles sont de teinte ocre et mates pour l'intérieur. Les enfants représentent le présent et incarnent, pour quatre d'entre eux, en caractères théâtraux, Orlando, Angelica, Modora et Dorinda jeunes.

La mise en scène de Jeanne Desoubeaux est audacieuse, mais, par certains côtés, la ligne de démarcation entre les protagonistes jeunes et leur équivalent adulte tarde quelque peu à s'estomper et, quand elle l'est, le mariage prend difficilement même si les élèves du conservatoire Ida Rubinstein remplissent leur rôle de très belle façon. Ils apportent en effet une touche très décalée qui donne lieu toutefois à un questionnement sur leurs rôles, car le propos artistique n'est pas aussi évidemment montré.

Ils commencent le spectacle hors de la trame de l'opéra pour s'y immiscer ensuite. Dans une pérégrination qui les conduit des tableaux aux personnages, leurs relations autant physiques que symboliques avec ceux-ci les mettent dans une posture et une fonction dramaturgique complexes. Il s'agit non pas d'exister uniquement par eux-mêmes, mais par rapport aussi à leur équivalent adulte. Et le mariage n'est pas toujours des plus heureux.

Même si l'approche ne m'a pas convaincu, elle est intéressante, car elle allie la jeunesse et la maturité, le présent et son passé, la naïveté et les responsabilités, le temps de l'insouciance à celui des combats et des amours. Actualiser une œuvre peut être effectuée de différentes manières, soit scénographique, soit dramaturgique, soit sémantique, et les trois options peuvent s'épouser avec aisance. Là, Jeanne Desoubeaux intègre les deux premières approches en allant beaucoup plus loin.

Dans le musée, les élèves sont dans l'enfantillage. Puis une bascule s'effectue où leur rôle devient plus grave, même si la naïveté de l'enfance est bien présente. À l'entame, il n'y a pas d'interconnexion physique, juste une présence scénique dans les tableaux, créée ensuite avec les personnages. Presque comme en appuis psychologiques pour chacun de leur pendant adulte. La danse et les déplacements sont leur colonne vertébrale artistique et apportent une légèreté souvent effectuée par leurs membres supérieurs, dans lesquelles rondeur et angulosité alternent et où se créent, par ce biais, des touchers avec leur protagoniste adulte.

Le musée projette l'opéra dans un monde ancien, rappelé à la curiosité d'une très jeune génération. Ils ont autour de 10 ans. Ce mariage est inscrit, à dessein, dans chaque personnage, dans une échelle temporelle où la naïveté de l'enfance permet de faire cohabiter chez eux une réalité et une fable en tant que spect-acteur. D'un côté très jeune avec les enfants et de l'autre entre une éternité sans âge pour Zoroastro (Riccardo Novaro) et une maturité d'adulte pour les autres personnages. Ils sont dans une dynamique de jeu où ce passage entre passé et présent, entre réalité et imaginaire accentue, à dessein, un décalage dans les gestiques des enfants et des protagonistes. Le geste théâtral de ceux-ci fait le lien avec la gestuelle dansée des élèves du conservatoire Ida Rubinstein.

Même si la dynamique du spectacle s'estompe dans la deuxième partie avec un jeu plus en longueur et moins soutenu physiquement, Angelica (Siobahn Stagg), en soprano, est dans une posture urbaine quand Orlando est chevaleresque, et Dorinda (Giulia Semenzato), en soprano, est comme sortie d'un conte de fée avec sa tristesse pendue au cou. Les enfants, quant à eux, apportent un côté guilleret au début quand ils incarnent des élèves, puis léger et presque aérien avec une gestuelle des bras qui tournent autour des coudes et des poignets quand ils deviennent la prime jeunesse des protagonistes. Ces différentes dynamiques de jeu s'enchaînent, apportant un équilibre en tension avec des ruptures qui soulignent les passions contrariées de nos caractères, et seul Zoroastro semble étranger à tout écoulement temporel.
◙ Safidin Alouache

Opéra en trois actes de Georg Friedrich Haendel.
En italien surtitré en français et en anglais.
Livret : auteur anonyme, inspiré de Carlo Sigismondo Capece, de Grazio Braccioli et de l’Orlando furioso de l’Arioste.
Direction musicale : Christophe Rousset.
Mise en scène : Jeanne Desoubeaux.
Avec : Katarina Bradić, Giulia Semenzato, Siobhan Stagg, Elizabeth Deshong, Riccardo Novaro.
Enfants : Nour Bruhnes Esturgie, Adèle Moreau Penin (en alternance), Melinda Masungi, Antoine Bouaziz (en alternance), Esteban Hernandez Sanchez, Ethan Darsoulant (en alternance), Daniel Hernandez Sanchez, Jasmine Sadouni Baghouli (en alternance).
Orchestre Les Talens Lyriques.
Avec les élèves danseurs du Conservatoire Ida Rubinstein - Conservatoire à Rayonnement Régional de Paris.
Scénographie : Cécile Trémolières.
Costumes : Alex Costantino.
Lumière : Thomas Coux dit Castille.
Chorégraphie : Rodolphe Fouillot.

Traduction des surtitres : Richard Neel.
Surtitrage : Lydie Pravikoff.
Durée : 2 h 55 (avec entracte).

Du 23 janvier au 2 février 2025.
Lundi, mercredi, vendredi et samedi à 19 h 30, dimanche à 15 h.
Théâtre du Châtelet, Paris 1ᵉʳ, 01 40 28 28 40.
>> chatelet.com